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大藝術家歌詞范文第1篇

摘要：作為聽覺藝術的音樂和作為視覺藝術為主要表現形式的繪畫，兩種藝術門類形式不同、表現不同，在保存著各自藝術特點的同時，又有著相輔相成的藝術魅力。本文試圖從音樂藝術和繪畫藝術的特點入手，分析兩種藝術門類的分有，從中窺探視聽藝術的相同和相異，并在藝術欣賞和藝術體驗中感悟其異曲同工之妙。

關鍵詞：藝術門類；音樂藝術；繪畫藝術；藝術欣賞

[中圖分類號]：J602[文獻標識碼]：A

[文章編號]：1002-2139(2012)-10-0090-01

從遠古的巫術禮儀開始，藝術就在不同的藝術門類下發展，逐漸形成了以視覺藝術、聽覺藝術、視聽——想象藝術為主要藝術門類的藝術體系。不同的藝術門類有著不同的欣賞過程，但對我們進行藝術感受和審美感知卻有著異曲同工之妙。

一、魅力的聽覺藝術——音樂藝術

“凡音者，生人心者也。情動于中，故形于聲，聲成文，謂之音。”音樂，是最心靈化的藝術。音樂通過由樂音組織而成的旋律，可以最豐富最細膩的表達人們的情感世界的復雜變化。

提起音樂，我們不得不從音樂最本初的性質談起，即音樂是什么？它的本質和作用又是什么？對此幾千年來有著眾說紛紜的見解與論說。“如果僅僅從物理學角度來說，音樂不過是以音響為基本素材構成的藝術。但從生理心理學角度，音樂則是通過音響作用于人的聽覺，從而影響人的直覺、感覺，甚至通過音樂影響人的情感和思想。所以音樂足以成為人類情感自我抒發相互交流的一種形式，也是人類自我娛樂的一種手段。”以上定義僅僅是從音樂的物理學角度來解釋，而藝術作為人類藝術和情感表達的一種門類，不能僅僅只從物理學角度來表達和定義，我們還要從音樂本體論的角度探尋，音樂從其人類學、社會學的角度來歸納，音樂是人類本性的表現，是人類最本真精神的表達，也是人類文化藝術的結晶。

音樂藝術與其他藝術的不同是當它不與歌詞或者文本、標題等音樂以外的因素結合而完全獨立時，此時音樂不再具有歌詞或文本賦予的強烈的昭示感，轉而它變成了最抽象和不可捉摸的。此時擺脫歌詞和文本束縛的音樂是在表達著什么，聽者只能憑借自己的感覺去理解和感悟。這就是音樂物理本性的一種特點，音響本身不具備如文字、圖像等其他藝術的確定性和具體性。音樂的感受可以以激情沖撞每個人的胸懷，但是無法用定義來描述。音樂所滌蕩的情感是多方面的，帶給我們的感受是整體的全面的甚至神秘的不可莫測的。故音樂作為最豐富最細膩的表達人們情感世界的藝術形式，是最奇妙和充滿魅力的聽覺藝術。

二、視覺的召喚——繪畫藝術

繪畫是造型藝術中最主要的一種藝術形式。它是一門運用線條、色彩等藝術語言，通過構圖、造型和設色等藝術手段，在二維空間里塑造出靜態的視覺形象的藝術。

繪畫藝術作為造型藝術的一種，憑借線條和畫面來表達一個瞬間，一個層面，一個具體或瞬間的場景。主要從視覺藝術上表達藝術家的情感，并通過視覺關照對繪畫藝術進行欣賞。它的審美特征首先體現出了造型性和直觀性。繪畫藝術是藝術家用線條、色彩在平面里塑造形象，以直觀的視覺感官來感受的藝術形式，并用來表達藝術家的情感體驗和藝術理念。繪畫藝術具有直觀性和確定性，是視覺藝術門類的藝術代表。

三、音樂藝術和繪畫藝術的異同

1、音樂與繪畫藝術的同功之妙

音樂藝術和繪畫藝術作為視聽藝術的主要表達形式，具有各自不同的特點。但歸結于藝術門類的范疇之內，兩種不同藝術形式卻有著相同藝術特點和藝術功效。

首先，音樂藝術和繪畫藝術都是藝術家表達自我情感的一種方式。音樂藝術家通過音符、音樂的表達來傳達自我情感，繪畫藝術家則通過線條和色彩來表達自我感受。藝術家通過自身的藝術素養和對生活的理解感受。欣賞者對藝術品進行關照和欣賞，從而產生了審美感知和藝術理解，欣賞者和藝術家通過藝術作品進行情感交流和傳達。所以，作為不同的藝術門類，無論是視覺藝術的繪畫還是聽覺藝術的音樂，都是藝術家自我表達情感的一種方式。并借助其作品達到和欣賞者傳達和交流感情的目的。

其次，藝術作品通過其自身的特點在表達情感的同時達到鼓舞人心和宣泄情緒的藝術功效。作為聽覺藝術的音樂，許多優秀的音樂作品其激昂的音樂符號給人激蕩的情感體驗，最后達到鼓舞人心的作用。而作為視覺藝術的繪畫，許多表現現實社會和真實情感的作品，在靜態中表達了動態生活的永恒。雖然表達形式不同，但作為藝術啟迪心靈，激發感情的作用是相同的。

藝術家憑借不同類型的藝術媒介來表達和宣泄內心的情緒和情感，使最終創作的作品具有了感召的力量。在藝術品長存的過程中，藝術品被不同的欣賞者欣賞，從而產生新的滌蕩情感的力量，這些力量或鼓舞人心，或交流情感，此時藝術品成為了一把有力的武器，起著宣泄情感和滌蕩人心的藝術功效。

2、音樂與繪畫藝術的相異之處

音樂藝術作為聽覺藝術的主要表現形式，和作為視覺藝術的繪畫，在藝術門類的分化之中，雖然具有相似的藝術作用，但藝術表達上有著明顯的不同。

首先，藝術表達媒介不同。作為聽覺藝術的音樂，通過其物理的音響載體、音樂符號傳達情感，是一種不確定性的聽覺藝術。繪畫藝術是借助線條、色彩等組成確定性的視覺畫面來表達情感的藝術形式。

其次，欣賞方式不同。作為聽覺藝術的音樂主要通過具有音樂的耳朵來對音樂進行欣賞。馬克思在《1844年經濟學哲學手稿》中所講，“對于不辨音律的耳朵來說，再美的音樂也毫無意義。”作為視覺藝術的繪畫，則是通過對線條和色彩的辨析與理解對繪畫進行體驗和感悟藝術家所傳達的思想和境界。

第三，音樂藝術和繪畫藝術帶給受眾的情感沖擊不同。視覺藝術具有確定性的視覺沖擊，給人以直觀的藝術感受。如果不借助歌詞等文本，單純地從音樂聲響來欣賞，音樂藝術具有一定的神秘性和強大的沖擊力。那流淌的音樂帶給欣賞者瞬間的藝術沖擊力，有時候會超越靜默的視覺欣賞。這種不確定的沖擊力，滌蕩起的審美感受具有更強大的力量。

音樂藝術和繪畫藝術作為藝術門類中的一種藝術形式，雖具有鮮明的不同但在藝術欣賞中常常被聯覺運用，在審美藝術范疇之內，往往具有不可分割的藝術效果和藝術效應。藝術的歷史源遠流長，藝術的門類紛繁林立，在我們探索藝術的世界時，時刻把握藝術門類的特點，進行有的放矢的藝術欣賞，對于我們遨游藝術海洋有著如魚得水如虎添翼的藝術效果。

參考文獻：

大藝術家歌詞范文第2篇

一、培養音樂素養的重要性

根據美聲學派的美學原理“音樂之中，歌詞為先，節奏次之，聲音居末”。歌曲的藝術表現在于透過聲音表達出蘊含在整部作品內部的藝術內容和境界。如果歌唱時表情不是發自內心，只是裝腔作勢，賣弄技巧，自我表現，這樣的歌唱只能說是浮光掠影，形似而神不似是不會感動聽眾的。

塑造歌劇中的一個人物形象，并非易事，而藝術歌曲的表達，尤為深刻。國畫中都要在畫旁題幾句詩，以說明畫中有詩，詩中有畫這個難以了然的境界。藝術歌曲也一樣，也就是它的音中要有詩，詩中要有音，珠聯璧合，音樂與詩的配合渾然一體，難以分離。如果歌唱者對詩詞和音樂，僅是表面的感性認識，不作理性分析，那就很難表達出作曲家的要求和歌曲的意境。

藝術表現發自內心，思想境界高尚，則藝術品味也高，要成為藝術家除掌握聲樂知識及中外曲目外，更重要的是學會如何做人、處世、接物，對人類有偉大的同情心，對善與惡、是與非要有明辨的能力，既要有崇高的理想，又要有高尚的情操，這樣，在表達一部作品時才能精確地表現出其真正的藝術價值。

美聲演唱是一門綜合藝術，必須具備廣泛而深厚的音樂素質。除了掌握必備的演唱技巧外，還必須有豐富的知識，較深的社會閱歷和正確的藝術觀等。

二、從相關的藝術中吸取營養

從事藝術的人，知識要淵博，如同金字塔一樣，下面堆得寬廣，上面才能高精尖。如果一個歌者在文藝領域中只懂得音樂、在音樂中只懂得聲樂，在聲樂中只學到練聲，在練聲中只追究求練“高音”，這樣便是方向錯了，鉆進了死胡同。知識貧乏，就像電線桿一樣談不上高精尖，又如何能攀登藝術的高峰呢？

從事聲樂藝術的人應多讀詩詞、文學名著。這些經典著作中，精采的段落應能背誦。“熟讀唐詩三百首，不會作詩也會吟”，詩歌和文學經典著作讀多了，便會加深對詩詞作品的理解，自然能分析人物的特征形象。這樣，在塑造歌劇當中的人物時，就可以做到心中有數。還要多聽音樂會，多聽名家的演唱，琢磨他們的歌唱發聲方法，觀察他們的藝術表現。要常看歌劇表演，聽器樂演奏。此外，也應經常看電影、觀賞繪畫、參觀畫展以及各種藝術展覽。

因為一個人的直接生活經驗是十分有限的，善于從其它形式的相關藝術中吸取營養，不失為一條豐富音樂知識加強音樂素養的良好途徑。其它形式的藝術作品，也是藝術家們根據生活而創造的成果，其中不乏對生活中的各種經驗的描述和體驗，善于向其他的姐妹藝術學習，一來可以豐富自己的生活積累，二是可以觀察其他藝術家們是如何體驗生活描述生活的，并從中得到啟迪和感染。從而進一步加強自已對音樂語言和歌詞的文學語言的理解和把握能力，加深欣賞能力和演唱的深度。

三、準確把握作品的內涵

聲樂表演是二次創作，也就是說，聲樂表演必須以一次創作即聲樂作品為依據。歌者首先必須認真地讀歌詞，理解歌詞表達的內容。把握歌詞所蘊含的情感基調，是悲是喜，是痛苦還是歡樂，細細體味劇情發展變化的脈絡及深刻的內涵。有造詣的藝術家總是以認真地研讀作品、仔細琢磨、反復推敲作者的原始情感為出發點，從而達到對作品的準確傳達和提高再現。其次，要準確地、仔細地反復讀譜、反復小聲的哼唱，認真地不隨意馬虎地對待每一個音，搞清楚作品的體裁，音樂的基本風格，作者的創作意圖等等。

再次，分析作品中的角色，作好歌曲的處理設計。拿到一首不熟悉的作品后，要看其是歌劇選段，還是藝術歌曲或創作歌曲，或是哪個國家的民歌。如是歌劇還必須了解整部歌劇的劇情梗概、弄清楚時代背景、故事發生的時間、地點、所演唱角色的性格特點，人物之間的關系及內心活動、角色的生活氛圍等等，從而把握住角色的氣質和表演分寸，準確地塑造劇中的人物形象。

四、注重演唱中的聲情并茂

聲，即為聲音和技能、技巧。美聲唱法又有“靠前”的聲音和“靠后”的聲音，在好的聲音中還出現了面罩共鳴、頭腔共鳴、胸腔共鳴等等方法。情，則是將聲音推向更高一個臺階必不可少的過程。情的表現則需要演唱者將自身的思想、人生體驗、文學修養揉合在一起表現出來。以達到聞者知其聲，觀者動其情的地步。如戴玉強在美聲的基礎上融入了通俗的演唱方法，使他的聲音包容在他濃濃的情感之中，就說明了無論何種演唱方法都離不開情的處理。以情代聲可以掩蓋聲音上的不足，可以喚起

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聽眾的情感共鳴。可以想見，一個有著好嗓子的人，演唱的歌曲達不到以情代聲的聲情并茂，只能算是一個匠人、一個歌者。說白了就如機器人，一臺錄音機，只不過是記錄了音樂的經過，不能算是真正的演唱者。美聲的美就在于演唱者的聲音被擴寬之后的情感和技巧的處理。以及能準確地詮釋歌曲的情感走向。

大藝術家歌詞范文第3篇

【關鍵詞】西方近代藝術 巴洛克藝術 藝術文化

【中圖分類號】J53 【文獻標識碼】A

【DOI】10.16619/ki.rmltxsqy.2016.23.018

巴洛克，歐洲早期藝術文化的風格代表，這個詞語最早來源于葡萄牙語（BARROCO），意思是“不圓的珍珠”，尤其特指形狀怪異的珍珠。在意大利語（BAROCCO）中，意思為“奇特、古怪”等解釋。在法語當中，“Baroque”稱為形容詞，有“俗麗凌亂”之意。在17世紀的歐洲，無論是建筑、繪畫、還是雕塑、音樂，都具有巴洛克傾向。因此，將色彩斑斕的17世紀說成巴洛克時代也并不為過。

“奢華而充滿戲劇性地”巴洛克繪畫

巴洛克時期的繪畫藝術被分為三個時期：17世紀的西班牙繪畫、弗蘭德斯繪畫與荷蘭繪畫。在這三個時期里，服飾奢華的描繪、人物形象的沖突、豪華風格的宮廷等風格，最能體現巴洛克藝術文化的精髓。

17世紀是西班牙繪畫史上的黃金時代，被譽為“西班牙的圣母畫家”牟利羅便是這一時期的代表人物。牟利羅在15歲左右失去雙親，成為孤兒。為了撫養比他還小的弟妹，他依靠繪畫的才能，到集市上靠畫即興的速寫賺錢養家。通過自己的勤奮，牟利羅被畫家賞識，開始了自己的繪畫藝術生涯。

早期的牟利羅以生動的風俗畫為主要內容，大量的作品描繪了下層人民生活的場景，這與他少年時代貧苦生活、賺錢養家的生活經歷有著密不可分的關系。《吃葡萄和甜瓜的孩子》可以說是他的重要代表作品之一。

之后，牟利羅的畫作轉向以圣經故事為題材的宗教畫。在創作過程中，他善于把握色彩和光線，繪畫技法細膩、柔和，將繪畫表現出圣潔而又甜美的藝術風格。《圣母純潔受胎》是牟利羅最具代表性的畫作，畫面當中一位純潔的圣母目光高舉，容貌清秀，雙手緩緩交叉于胸前，在夢幻般的光線照耀下，顯得神圣而莊嚴，眾多天使簇擁在圣母的周圍，形態生動各異，讓畫面顯得圣潔而又平易近人。

弗蘭德斯，最初包括荷蘭和比利時的西南部，受西班牙統治，之后荷蘭首先獨立，同時弗蘭德斯也就不復存在。在弗蘭德斯繪畫中，被稱為“歐洲第一的巴洛克繪畫大師”的魯本斯是該時期最具成就的畫家之一。他的作品《搶劫留西帕斯的女兒》《上十字架》《復活》《愛之園》等，至今仍然影響著世界繪畫藝術的發展。

繪畫作品充滿戲劇性人物沖突，描繪人物形象以女性最有特色，是魯本斯繪畫的主要特點。海倫?富爾曼是魯本斯的第二任妻子。魯本斯常常以海倫為模特進行創作，其中體態豐滿、肌膚白皙、富有女性質感的樣貌將海倫描繪得貌美嬌艷，令人為之傾倒。

魯本斯的一生創作豐盛，他的作品對19世紀早期的浪漫派繪畫產生了重要的影響。戲劇性沖突、人物形象姿態夸張、宏大的場面都充分體現出強烈的世俗甚至異教傾向，而正是這一特點使魯本斯成為當時全歐洲文化風行的巴洛克藝術的主要代表。

既不豪華、又不艷麗的坎坷畫家倫勃朗則是荷蘭繪畫中當之無愧的一位偉大藝術家。他的一生留下600多幅油畫、300多幅蝕版畫和2000多幅素描，以及100多幅自畫像。在他的肖像畫和人物構圖中，他善于以概括的手法表現人物性格，擅長用聚光及透明陰影突出主題，而且還運用細膩的筆觸表現對象的質感，這些特征成為倫勃朗繪畫的重要特色。

“時代的寵兒”之巴洛克雕塑

歷史上，巴洛克藝術曾被人詬病為僅是愉悅視覺的頹廢的藝術。而我國著名的翻譯學家、美術評論家傅雷在《世界美術名作十二講》里卻認為：這是在一個偉大藝術時代以后不可避免的。前人在藝術表現上已登峰造極，后來的藝術家除了求新外，別無可能自顯。雕塑藝術的發展，也成為巴洛克藝術文化中不可缺少的組成部分。

巴洛克雕塑的主要特點為造型不對稱，熱情奔放，技法嫻熟，裝飾華美繁復，不僅有溫熱的肉體，還有輕盈的綢緞。在當時那個年代，尤其以意大利和法國的成就最為著名。正如談論文藝復興時期，離不開“意大利三杰”一樣，談論雕塑也絕繞不開貝尼尼這位家喻戶曉的雕塑大師。出生在藝術家庭的貝尼尼天資聰穎、藝術天分高超，8歲時的作品就受到教皇賞識，少年成名的他擁有很高的榮譽，因為那時的意大利，藝術和藝術家擁有至高無上的榮譽和來自世俗、宗教甚至百姓的尊重。

由于長期供職于教皇，為宮廷服務，貝尼尼以肖像為題材的雕塑居多。《狂喜的圣泰萊沙》就是巴洛克藝術文化當中的典范之作。這座雕像旨在于表現圣女泰萊沙在領悟天意時剎那間的狂喜。到了貝尼尼創作晚期，他曾被法國國王路易十四邀請到法國參加對盧浮宮的設計，但這時他的雕塑顯現出一些程式化傾向，大量世俗審美情趣的滲透，使作品缺乏靈氣和創新。

貝尼尼，這位有著積極精神的巴洛克藝術家，其一生光輝燦爛。他的優秀作品具有很高的現實主義意義。貝尼尼的偉大在于他確定了巴洛克雕塑的時代精神風貌。同時，他也是一個多才多藝、頗具才華的建筑家。他不僅可以為貴族、伯爵建造教堂、陵墓，而且還可以為劇院添置布景，為音樂譜寫旋律，為劇本撰寫作品等。他對那個時代的影響在歷史上是無人能與之匹敵的。

歐洲古典音樂的前身之巴洛克音樂

音樂作為一門獨立的藝術，開始于16、17世紀之交的意大利，當時出現了一種新的表演形式，即以音樂伴奏演唱一些神話故事――這就是歌劇的起源。后來，隨著歌劇的緩慢發展，音樂也逐漸得到了發展。

最初的意大利歌劇是巴洛克音樂的重要載體。換句話說，巴洛克音樂是隨著歌劇的產生而產生的。在創作歌劇的過程中，當時的作曲家既要發揮音樂的功能，又不能因此而湮沒歌詞。為此，他們采用新的音樂形式，使之具有提高歌詞戲劇效果的作用。這樣，就有了最初的宣敘調，以及后來的小抒情調和詠嘆調。

清唱劇是巴洛克音樂的重要組成部分。它與歌劇不同之處在于演出時不需要專門的服裝和布景，也沒有戲劇動作，主要靠歌詞演唱，簡單的情節是靠解說者敘述的。最初的清唱劇演唱的地點主要是教堂，而并非劇院或音樂廳。這與當時的音樂文化存在著緊密的聯系，因為當時人們生活的大部分時間會去教堂進行祈福和禱告，有的時候，開會也會在教堂進行，所以教堂成為人們生活的主要場所。清唱劇進入教堂，給人送來歡樂，帶走悲傷，所以音樂文化慢慢地就在教堂里面開始傳播，并將美好的音樂傳到每個人的心里，讓更多的人們來到教堂欣賞音樂。

小結

大藝術家歌詞范文第4篇

李暉：我現在車子里放的自己做的音樂，我理解Hip Hop可以分兩種，一種是強調音樂、節奏，有一種主要是歌詞、內容，旋律只是輔助，內容帶來力量。昨天我聽到沒有過多的內容，因為不強調內容，強調的是音樂的本身的元素，很單純的。所以原則什么樣的方式，有這兩種，也是偏內容另外一個不是形式，在深挖作品的時候，會走出兩條線索，一個是靠內容取勝，一個靠藝術本身取勝，不是抨擊現實的問題，是藝術本身的問題。《當代藝術》：這個作品給人的感覺，看似跟人的距離有點遠，實際有一個人主動性在里面。

李暉：當然，你提到觀眾可以參與，可以去發現，因為作品的每一個角度都是不同的，尤其是你站在鏡子前面。鏡子這個東西，在中國古代哲學里面，經常出現的，我覺得不太一般的是，禪宗對這個，“明鏡亦非臺，本來無一物，何處惹塵埃”鏡子本身有這個作用，鏡子有很多你看不到的作用。展覽現場如果沒有觀眾，這個作品看起來則的是很簡單的，也有點神秘。

《當代藝術》：您是如何發現鏡子和燈光的關系?

李暉：鏡子和燈光肯定會發生關系，我做這個作品，想看看能呈現出一個什么樣的狀態。在構圖上，一進門作品就在中間，有一點儀式感，這是我比較慣用的方法。

《當代藝術》：之前有一個作品，早期的車之類的(注：《雙頭吉普》)，那個時候是強調一個作品，一個物象，現在有一些作品跟環境結合，跟空間結合，包括用氣霧煙之類，請問你對整個空間的結構的關系之間的看法?

李暉：我覺得是一個脈絡，做裝置做雕塑，思維方式不一樣，完全是三維的東西，空間是你作品永遠存在的。而不是說地面的概念，也不是墻面的，是空間的概念，所以空間在這個里面，已經變成了一種思維方式，你要怎么分配空間，要怎么利用，空間對你的挑戰，你怎么回應，我覺得這個是真正裝置藝術家(要關注的)，可能讓別人覺得這是布展的事，不是藝術家的，我覺得這個恰恰是最重要的。

《當代藝術》：您是不是在創作的時候，改變新鮮感，突破新鮮感。李暉：新鮮感是獨特的，一定要有自己的方式，藝術家最可怕的是重復別人，必須要有自己的(東西)。

《當代藝術》：您的作品在創作的過程，有沒有告訴觀眾，有一個線索，因為早期看到有一些作品，跟您現在的不太一樣，您有沒有一個規劃，或者是說有一個長期的想法，發展自己創作的脈絡?

李暉：每個藝術家都在想，這個問題重要不重要，我現在不能判斷，因為所有人強調想法要有脈絡，作品要成體系。比如大家都在書本上看到一句話都覺得正確，但是我覺得那句話本身沒有什么意義。你成不成體系，對別人可能沒有什么意義。只對跟你發生關系的人或者方面有意義。

《當代藝術》：談談你對音樂的一些想法。

李暉：我不是研究音樂的，我只是聽，我作為一個聽眾，就能想象到別人看的我的作品什么感覺，因為我不專業但我知道我能聽懂什么，藝術并不神秘，每一個觀眾，都可以看懂，我覺得這是最重要的，因為首先你的作品，信息量要足夠，要做得非常直白，你做的是1+1=2，得不到3，這也是我一直在想，為什么一個過程以后，你做作品會越來越簡單，或者是更多的是想法，慢慢的趨于抽象，這是有規律的，因為你想得到你想感動別人得更多，我覺得是這樣的。因為很多大師，到老了以后，沒有那么多理論，就是靠直覺，我覺得他對藝術和創作的直覺，是不能總結出來的，就是屬于他的。但是我30多歲，就能達到這樣，那是不可能的。我覺得這個可能是一個方向，你慢慢追求，你知道奔哪個方向，大概感覺是對的，是好的，你要是給自己設定線索了，就是在限制，這是給自己下定義，比如說我是研究批判主義的，我的所有東西都要批判，都要批判現實，這就是給自己下定義，給自己挖陷阱了。我覺得肯定是不對的。

《當代藝術》：您樂于見到您的作品而解讀的那個范圍超過了您自己預期的范圍這種事情發生，您是怎么想的?李暉：每一次都發生，從我做第一次作品，一直到現在，這種感覺都有。所有人解讀跟你想象不太一樣，我只是站在我自己的角度，別人不可能站在你的角度，站在你的角度，你讓他感受，他也感受不到，這是一個很正常的。

《當代藝術》：您作品形式上的導向性，您覺得強嗎，有故意設置一個東西，讓大家進入您創作的那種狀態?李暉：我這個里面做了很多，漆黑的空間，我覺得那是批評，很多人批評我，玩效果。

大藝術家歌詞范文第5篇

Wild Style （1983 美國）

導演：查理·埃亨

制片人：查理·埃亨

編劇：查理·埃亨

攝影師：克利夫·戴維森、約翰·福斯特

配樂：法布·費夫·弗雷迪、克里斯·斯坦、街舞團體磐石幫、嘻哈組合冷凍粉碎兄弟、閃手大師

演員：Easy A.D. A.J、全能K.G、帕蒂·阿斯特、忙蜂、

70年代后期，紐約布朗克斯那些貧窮少數種族家庭里出生的孩子編出了一套新式舞蹈：動作不連貫，以節奏為中心，伴舞的曲子無論旋律還是傷感的歌詞都充滿韻律。擁有褐色的皮膚才好融入，來自同一街區的人才會得到尊重。由一個DJ選擇音樂，一個MC連貫這些音樂，同時對著舞者和觀眾們一通評說。經濟上被剝奪權利的年輕人在紐約的大樓外墻、地鐵列車和巴士車站到處涂鴉，于此同時Hip-hop文化誕生了。